Blu is from Bologna, Italy. Blu is also just awesome. Give his web site a look next time your boss is in a meeting or whatever because it's well of amazing art. Be warned, however, there is a lot of stuff thematized by violent eye-gouging angst over the state of the modern world (see Haley's post about gladiator sandals). His sketches are narrative and evocative, but his outdoor wall work is simply astonishing. I respect not only his skill as a painter but his logistical prowess--he works on a much grander scale than most street artists at the moment. He is also the most aloof of the 6, so don't expect to find his picture anywhere.

The animation is based on a classic Chinese novel called 'Journey To The West' by Wu Cheng'en, as well as the cult 80s TV series 'Monkey' (which was itself based on the novel). I used to watch it AVIDLY as a kid with my dad. That magic golden bo staff was amazing.

Anyway, a lot of people on the BBC site are questioning what the animation has to do with the Olympics at all. How could you miss it? Let me break it down for you. Monkey and his friends journey to the Beijing Bird's Nest Stadium in order to do battle. On the journey they use their well-honed athletic skills (javelin, hammer, diving, pole vault, hurdling, gymnastics, martial arts) to fend off primal, mythical monsters. It's pretty straighforward. What's more the animation is slick, and the music spot on. It's refreshing to have a station as tired as the BBC take a chance and invest in something new and creative for once.

In fact Albarn and Hewlett have also produced a stage adaptation of the classic Chinese tale called 'Monkey: Journey To The West' which is part opera, part animation and part circus art. Music was composed by Albarn, visuals by Hewlett and the adaptation was written and directed by Chen Shi-Zheng. It's running at the Royal Opera House Covent Garden from 23rd to 26th July, and I was set to buy tickets yesterday but they were all SOLD OUT. Couldn't believe it. Oh, there was a pair of tickets on ebay for over £100 each, but since when have I had that kind of money to burn? Never!

For more info on the production check out the website here.

This sticker was found in the streets of Chinatown in Seattle, near the train station. At first, it just looks like some Guantanamo-esque prisoners, but closer inspection finds that the main jumpsuited man is holding shopping bags. A street art message on the slave cult of consumerism? I'd say so.

Artist unknown. Tips about names would be beautiful.

Obey es la propaganda lanzada internacionalmente por Frank Shepard Fairey, artista urbano y diseñador estadounidense, que a partir de su primera pegatina con el rostro del luchador de wrestling André el Gigante, comienza a expandir una propaganda incluyendo lemas como "Piensa y crea, imprime y destruye", que mezclan lo subversivo con el entretenimiento, su temática y estética viene a ser a menudo una mezcla entre caricatura y revival de la propaganda política, las ideas situacionistas y las revoluciones estético-filosóficas de los 6o, trasfondos temáticos muy comunes en el arte de finales de los 90 y principios del presente siglo. (wikipedia). Esta publicidad se expandió internacionalmente gracias, sobretodo por la colaboración ajena, que representaba en las paredes aquel icono con tanta presencia y harmoniosidad.

Posters

Primera pegatina de Obey

Shepard Fairey a obtenido en la actualidad mucha admiración por parte del público y su obra le ha ayudado para unirse al mundo del diseño, expandiendo su talento alrededor de entornos mas elitistas. Espero de verdad que os agrade este curioso personaje, porque sin duda es uno de los mas reconocidos artistas en esta modalidad. Su trabajo consistia en pegatinas, stencil y sobretodo wheatpaste ("posters con pegamento").

Artículo muy bueno en wikipedia

Ok everyone, it looks like it's finally safe to stop talking about about how graffiti should be called street art and how there's totally a Banksy in the West Village and no one's should be covering it up. It's officially art, so says the Tate Modern. They've even created a game for kids on their web site, which is nifty and provides a little giggle for those of us who are already familiar with the medium. I won't presume to discuss the political implications of each piece because you people are smart enough to figure it out for yourselves.

The Tate has sacrificed its enormous front walls to six hot names in street art: Blu, Faile, JR, Nunca, Os Gêmeos, and Sixeart. So hot right now. Don't worry kids, artist profiles to come, so stay tuned to Spiral (bitch). K$

Paint - www.madisonartshop.com

Caps - www.grafcaps.com

Everything you need to know about caps, paint, spray painting, etc: www.a2planet.com

On another note, I spent most of last night sketching out ideas for the canvas that I have been working on.  I finally think I'm ready to start the final piece.  Stay posted!

Has anybody seen it in a different mood? Anybody know its name? Seen at 26th and Mission.

19/07/2008, Pernambuco - Marcelo Solá abre exposição no MAMAM no Pátio e inaugura a programação 2008

Após trinta dias de residência artística em Recife, Marcelo Solá inaugurará exposição na galeria do Mamam no Pátio.

A mostra será composta por duas imagens de lambe-lambe, cinco desenhos, as anotações do período de estada do artista feitas em seu caderno de desenhos e um diário de viagem  - com pequenos textos e rascunhos – que irá compor um livro de artista. A expoisção abre, oficialmente, a programação 2008 de residências artísticas do Mamam no Pátio que ainda trará os artistas João Modé (RJ), Leandro Lima & Gisela Motta (SP) e Paulo Nazareth (MG).

A mostra ficará até setembro e, em seguida, dará lugar ao trabalho da chinesa Duan Jianyu, primeira artista participante do projeto  Made In Mirrors a residir em Recife.

Segundo Solá, o aspecto da cidade mais inspirador para a criação dos seus trabalhos foi a coexistência de diferentes expressões culturais num mesmo espaço urbano, característico do Recife. A interseção entre o profano e o religioso, observados pelo artista através da coexistência das igrejas com os bares no Recife Antigo e também do impacto das festas juninas sobre a população, o fascinaram e estão refletidos em toda a exposição.

I had seen some of the Mission murals when I had been in the neighborhood. But never before had I made any special effort to go see the Murals. So, last weekend I decided to rectify the matter. There are several murals in the Mission District - on 24th street, Mission, Valencia, on the Women's Building. But there are two main hotspots for murals in Mission District, one is Balmy Alley and the other is Clarion Alley.

Balmy Alley, is right in the middle of the Latin American community on the 24th Street, surrounded by cool cultural icons like the Galleria de La Raza and Precita Eyes.

On the day of my visit, kids were playing soccer in the street, likely a spillover group from nearby Garfield Square park. It was relatively quiet otherwise - a lady was watering her plants, splashing the murals in the process, her little chihuahua was loitering about, a young man was smoking in his garage - just a lazy summer afternoon. I had imagined there would be food smells in this alley, of roasting meat and chillies but it was devoid of odors, good or bad. These murals change with time, but I noticed one dating back to 1998, it was still vibrant. Not all were equally lucky. Overgrown Bougainvilleas bushes were hiding some. One featured Frida Kahlo which reminded me that SFMOMA is running a retrospective on her. I should remember to visit - I have always been intrigued by her self portraits.

Clarion Alley is the subversive version of Balmy Alley. Oddly enough, this narrow street smells of piss and vomit. Sandwiched between crowded Mission Street and the fashionable Valencia, it is a stone's throw away from Mission Police Station. Furthermore, it is host to an annual block party celebrating the newest mural contributions. San Francisco is a bit odd in places. Clarion Alley, most certainly, is one of the oddest. While the murals here are inspired by Balmy Alley, they are far greater in number, more varied in style, and more contemporary. Some are on the sidewalk, others on the second story walls. Exploring this alley took me much longer than Balmy. Even now, when I look at my photos, I notice a few things I hadn't noticed earlier.

Travel Note: Precita Eyes holds Balmy Alley Mural walks on weekends. Clarion Alley Moral Project manages the murals at Clarion Alley and focus on emerging artists of all ages - this will explain the variety of styles that can be found here. Clarion Alley is probably not safe after dark but if you are here for the Murals, you are likely to be here during the daytime. For complete set of city murals, you will need to visit Coit Tower, the Women's building (near Clarion) and also check out Diego Rivera's murals at the Art Institute of San Francisco and San Francisco City College.

A trip to the Mission District can always be combined with plenty of cheap good eats, trip to the nearby Mission Dolores and the Mission Dolores park from where there is a beautiful view of the downtown skyline. Also, Valencia Street is great for shopping.

07/07/2008, São Paulo - Pop revisitado

A arte Pop dos anos 60 e a Cultura Pop de hoje.

Expos individuais de:  Gerald Laing , John Simpson e Daniel Melim.  Mais trabalhos especiais de Mariana Martins, Silvana Mello, Felipe Lopez, Fausto Chermont, Magoo e Presto.

Do que trata essa exposição? Queremos mostrar tudo o que a Pop Art do anos 60 tem a ver com a Cultura Pop atual. Convidamos o emblemático artista Gerald Laing, 73 anos, um dos mais importantes artistas ingleses, ativo integrante da Pop Art britânica e americana à partir dos anos 60, para mostrar sua novíssima série de trabalhos inspirados nas imagens da prisão de Abu Ghraib (Guerra do Iraque).  A essa individual de Laing, que vem pela primeira vez ao Brasil, se contrapõe uma coletiva de artistas jovens, escolhidos pela Choque, que pretende mostrar o quanto os ideários da Art Pop dos anos 60 e da Cultura Pop atual têm em comum: . o uso dos ensinamentos (e truques) da publicidade no modo como os artistas lidam com a audiência;. a naturalidade com que os artistas se apropriam de linguagens populares e “artes menores”, como os mangás, o graffiti e a tatuagem (assim como a Pop Art dos 60 fez com os outdoors, as latas de Campbell’s e os comics);. o gosto pelo apuro técnico, a valorização do desenho, da pintura e da escultura ao invés de desenvolvimentos muito teorizados;. e, principalmente: a procura de uma arte mais envolvente, carismática, emocional e magnética.

07/07/2008, São Paulo - Exposição na Oca usa tecnologia para contar história da bossa nova

O prédio da Oca, no parque do Ibirapuera (SP), sedia exposição que ocupa quatro andares do espaço a fim de contar a história da bossa nova, gênero musical que completa 50 anos em 2008.

Com apoio de diversos recursos tecnológicos, a mostra "Bossa na Oca" tem direção do cineasta Carlos Nader e de Marcello Dantas, responsável pela concepção artística do Museu da Língua Portuguesa. "A bossa nova precisava de um recurso audiovisual para ser representada, não queria capas de disco e copos de whisky, mas mostrar a relação entre as pessoas que fizeram o movimento", explica Dantas.

Subsolo, térreo, primeiro e segundo andares do prédio em São Paulo abrigam fotos, vídeos, músicas, reproduções visuais e materiais de locais relacionados ao gênero --- como a praia de Copacabana e o apartamento da cantora Nara Leão --, além de um encontro virtual, com imagens projetadas em 3D, entre Tom Jobim, Frank Sinatra, Ella Fitzgerald e Stan Getz, tendo Johnny Alf como âncora.

O material em vídeo da exposição conta com 10 curtas-metragens e o documentário "Clarão", de Carlos Nader.

A mostra traz ainda um espaço sem eco projetado pelo engenheiro acústico José Augusto Nepomuceno, onde os visitantes podem ouvir sons como do estalar das juntas e de batidas do coração. "A idéia da 'câmara de silêncio' veio com a frase do Tom Jobim: 'A música é o silêncio que existe entre as notas'", explica o diretor da mostra Marcello Dantas.

O evento no parque do Ibirapuera conta também com apresentações de Roberto Carlos com Caetano Veloso em homenagem a Tom Jobim, de João Gilberto e de jovens artistas que celebram João Donato. Saiba onde comprar ingressos para os shows.

05/07/2008, São Paulo - Toy Art Mostra

Exposição aberta a partir de chamada de trabalhos nacionais e internacionais em massinha, plástico, vinil, pano ou outros materiais, incluindo trabalhos de artistas e designers representativos da Toy Art, como UNKL, Motomichi e Toscotoys.

Inscrições de trabalhos com foto e contato no email toyartmania@sescsp.org.br.

05/07/2008, Rio Grande do Sul – Sisais

A Galeria Gestual mostra de 05 a 26 de julho "Sisais", de Arthur Luiz Piza.

É a segunda exposição do artista na Galeria, que desta vez apresenta uma de suas séries mais prestigiadas. Sobre um plano construído com a fibra têtil extraída do agave, Piza arma um jogo poético com módulos de metal, que fala de forma perspicaz com o construtivismo brasileiro. "Relevos sobre relevos’, nas palavras de Paulo Sérgio Duarte, que assinou a curadoria do panorama de sua obra apresentado aos gaúchos em 2002, no Museu de Arte do Rio Grande do Sul.

05/07/2008, Rio Grande do Sul - O que é, é também o que não é

Junto com "Sisais", a Gestual inaugura a sala Inverso, um espaço dentro da Galeria voltado para a arte contemporânea, que pretende contribuir para a solidificação de um público para este segmento da arte, a partir de um modo próprio, levando em consideração as especificidades de um mercado periférico.

Para o primeiro evento da Inverso a Gestual escolheu quatro peças: uma serigrafia do artista catalão Antoni Muntadas que compõe a série "Atenção: Percepção Requer Envolvimento" e uma de José Damasceno realizada a partir de "Vale o Escrito", seu trabalho para o Projeto Parede do Museu de Arte Moderna de São Paulo. Um jato de tinta da dupla brasileira radicada na França, Angela Detanico e Rafael Lain - que cria um alfabeto com a condensação da fonte helvética, para escrever nome de estrelas; e uma fotografia de Bob Wolfenson da projeção de um filme pornô no Cinema Marrocos de São Paulo.

Reunindo-as sob o título "O que é, é também o que não é", a Galeria sugere que seu público reflita sobre a importância do que a princípio não é arte, na produção e afirmação da arte atual.

05/07/2008, Minas Gerais - Resposta

Exposição coletiva no Palácio das Artes cria diálogo entre as obras.

Susana Bastos, Rodrigo Borges, Juliana Freire e Roberto Bellini são os artistas selecionados pelo Edital 2008 da Fundação Clóvis Salgado para, neste mês de julho, exporem seus trabalhos. Resposta tem um conceito expositivo simples, mas intenso: o trabalho de um artista se propõe como pergunta que terá a resposta no trabalho do outro. A idéia de uma “conversa plástica” faz com que a exposição coletiva deixe de ser a mera reunião das obras de quatro artistas em um mesmo lugar, para se tornar o que provoca a criação.

Outro grande diferencial desta edição de Resposta é o caminho trilhado por cada artista e a ampliação do foco de trabalho para outras categorias relacionadas com a bidimensionalidade. Na exposição haverá ainda uma variedade de linguagens e suportes, além do desenho, da pintura - linguagens presentes na maior parte das obras da primeira mostra-, trabalhos em categorias como instalação, vídeo, escultura e objetos. Todos os trabalhos são inéditos, feitos dentro e para esse dispositivo de proposição e resposta.

As linguagens, além de variadas, em muitos trabalhos se mesclam, acontecendo em diversos trabalhos uma conjunção de linguagens. Caberá ao próprio público tecer as relações entre os diversos trabalhos e particularmente em encontrar os pares de proposição/resposta. Os materiais, assim como as linguagens, variam muito não só entre os artistas, mas também entre os trabalhos de um mesmo artista. Há, por exemplo, esculturas feitas com tecido e bolas cheias de ar, uma escada e um monitor de vídeo, uma sala com caixas de som criando uma ambiência sonora, uma cidade de plásticos inflados de ar por pequenos ventiladores. Essas são descrições das obras de apenas um artista. Como não se trata de uma exposição que mostra uma pesquisa individual, há muita liberdade de propor novidades dentro do percurso de cada um e uma pluralidade de materiais e linguagens.

Dal comunicato stampa:

Da venerdì 25 a domenica 27 luglio si alza il sipario su Castellarte – Rassegna internazionale di Artisti In Strada – Rosso di sera, che, da 15 anni, porta il meglio dei buskers, degli artisti circensi e degli “street performers” d’Europa a Capocastello, borgo medievale di Mercogliano (a pochi metri dall’uscita autostradale Avellino-Est), per tre notti di festa picaresca e creatività a tutto tondo.
“Artisti In Strada” perché il festival punta innanzitutto sulla qualità del cast, selezionato nei grandi eventi europei e in collaborazione con rassegne italiane blasonate come il Ferrara Busker’s Festival; artisti che, in estate, abbandonano i teatri, i circhi o le sale da concerto, per assaporare la libertà dell’esibizione a contatto di pelle con il pubblico, in una situazione in cui i ruoli – artista/spettatore – quasi si confondono.
Nel cast spiccano eccezionali presenze come il duo svizzero-statunitense dei “Full House”, il duo di acrobati cileni “Los Chatos”, il tedesco Willy Wonder con la sua folle rilettura degli anni della”disco music”, lo straordinario Chris Lynam applaudito alla tv inglese, il pluripremiato burattinaio internazionale Pane Temov ma anche i toscani della folle “marching band” che porta il nome di Fantomatik Orchestra e, direttamente da Zelig, Luca Regina con la sua stralunata prestidigitazione.

Musica vintage con il rockabilly dei The Capone Bros  e dei Charlie Rock, lo swing degli Spaghetti Style, l’afro beat degli svizzeri Felas e dei romani Funkallisto, lo ska anni ’60 di Al & The Maskalzones e Serino Skalo e teatro, con il Co.C.I.S. e “Lo strano sogno di Compà Prisco e Compà Mostino” e Gaetano Franco che, con la sua “Posteggia di Pulcinella” mostrerà il volto del clown campano per eccellenza.

Grande attenzione anche all’enogastronomia di qualità nel ristorante di Castellarte che, quest’anno, sarà curato dai fratelli Claudio e Carmelo Ferraro della “Taverna L’Orto di Virgilio” che proporranno il loro “viaggio tra cibo e poesia”, con le ricette della tradizione e i profumi delle erbe officinali del Monte Partenio.
La manifestazione, nata per strappare all’incuria il borgo di Capocastello, ha da sempre una forte attenzione ai temi social; il titolo di quest’anno “Rosso di sera” allude, infatti, al naso rosso dei clown-dottori per sostenere i quali, nelle tre sere di festa, sarà possibile acquistare un “naso rosso solidale” il cui ricavato andrà all’associazione “La Compagnia del Sorriso Campania Onlus”.
“Il villaggio dei libri” è la vetrina dedicata alla preziosa opera degli editori irpini che, insieme alle botteghe artigiane ed alle mostre collocate nei caratteristici “cellari” (locali terranei un tempo adibiti a stalla o cantina) vanno a completare l’offerta ricchissima che da quindici anni Castellarte prepara per i suoi oltre 50,000 visitatori.

It caught my eye, of course, such a colorful bench, and such an interesting-looking person sitting on it... and a moment later I realized of course that he's not a real person, but a life-size anime-style fellow, everything about him so perfectly smooth, clean, and vividly colored. His hair is a bit unreal, his pose certainly on the dramatic side, not what one sees everyday. Not to mention the fact that he's shirtless in public, something rarer in Japan, I'd venture, than in the US.

Even having looked at this picture numerous times, it never occurred to me until just now that I made no attempt to look at him from another angle, in particular from below. Though you can get a hint of it in the one photo I took, his eyes, his expression remain a mystery to me. One can assume from his body language a sense of defeat, of sadness, loneliness. The fact that it was raining, and here he is sitting, shirtless, adds to this feeling. His boots and wrapped hands give the impression he's a boxer who's just lost a match, or perhaps his entire career.

Looking at the photo now, I wonder if I can't detect something of a smirk, a content happiness, on his face, like he's just won the match, and is exhausted, but doesn't mind the rain one bit, perhaps even likes it as it cools him off after the fight. This adds a whole other dimension to it, and actually makes me a bit happier for associating with it, for using it as my Facebook profile photo, as it is perhaps not so depressing after all.

I wish I knew more about it. The title of the piece, the artist, when it was made... maybe it was only temporary, or maybe it's a more permanent fixture. That something so simple can be seen to have such a complex emotional meaning or feeling is really something special. The bright colors of the bench, and the smooth, clean lines of the figure are juxtaposed with his depressed, defeated body language, making it a more complex and interesting piece than it may look on first glance... and the very fact that it's located where it is, on a real street amidst reallife, makes it a completely different thing from what it would be in a museum gallery. What would I think about this piece if I saw it in a different context? What would it say?

For years the Mexican-turned-hipster neighborhood’s alleys have been home to some of the dopest street art in the world. The latest (above) was thrown up recently by Chor Boogie and Max Ehrman

http://www.complex.com/blogs/2008/07/16/san-francisco-street-murals-are-on-a-mission/#more-14504

I've never seen anything like this before - onomatopoeic street art, and made with balloons? Presumably with added pop!s or maybe whizzzzes at the demise of the balloon. From Brooklyn based artist DBILLY. This seems to be the first work he's done with balloons, but theres some sweet illustration based stuff. And something else I've never seen - though it's probably been done before - words made with electrical tape. Interesting in that it looks photoshopped, but isn't; I'd love to see this from afar.

I don't normally like this kind of cartoony stuff but aw. In his artist statement DBilly, or David William, says,

Using colorful media such as twisting balloons, party streamers, and artist tape, I have begun to add visual representations of sound effects to public spaces as a sort of dimensional graffiti. After embellishing the found scenes and photographing the results, I leave my additions in place to engage passers-by for as long as the materials hold up. For me, this process encourages a reexamination of surroundings and objects that are usually taken for granted, and injects a hint of the fantastical surreality that I have established in my other work.

Or, at the very least, I hope someone thinks these things are kind of funny.

Dbilly can also be found at FLickr, and blogs over at andiamnotlying.

Site: http://blublu.org/sito/news/news.htm

Blog: http://www.blublu.org/blog/

Vídeos no Youtube: http://youtube.com/profile_videos?user=notblu&p=r

Serie Nueva a color - Tamaño grande: Link

25/06/2008, São Paulo – Lançamento do Livro Curso de Teoria Crítica

Seguido de mesa-redonda Direita e Esquerda Hoje: Teoria Crítica e Pena.

O livro pretende apresentar da maneira mais clara possível autoras, autores e temas da Teoria Crítica para um público de não especialistas. Apresenta tanto autores bastante conhecidos como Theodor W. Adorno, Walter Benjamin, Herbert Marcuse e Jürgen Habermas, como outros que, apesar de sua grande importância, são praticamente desconhecidos do público brasileiro, como Friedrich Pollock, Franz Neumann e Otto Kirchheimer. Um terceiro bloco pretende examinar configurações atuais da Teoria Crítica na Alemanha e nos EUA.

A mesa redonda Direita e Esquerda Hoje: Teoria Crítica e Pena terá participação de Marcos Nobre (Unicamp/Cebrap), Maíra Machado (Edesp-GV/NDD-Cebrap), José Rodrigo Rodriguez (Edesp-GV/NDDCebrap) e Marta R. A. Machado (Edesp-GV/NDD-Cebrap).

No ano de 2006, o professor Marcos Nobre (Filosofia/Unicamp) e outros especialistas ministraram um concorridíssimo curso sobre Teoria Crítica no Goethe-Institut São Paulo. Ali foi plantada a semente que gerou "Curso livre de Teoria Crítica", organizado por ele e lançado pela Papirus Editora.

25/06/2008, São Paulo - Karin Lambrecht

A artista gaúcha Karin Lambrecht (Porto Alegre, 1957) apresenta na galeria Nara Roesler  uma composição pictórica em homenagem a Albert Camus, registrando o dia em que o autor de O Estrangeiro esteve em Porto Alegre: 9 de agosto de 1949.

Suporte denominado pela artista como “anotações de pintura e desenho”, a obra inédita constrói por meio de vários planos a atmosfera real de um pequeno quarto de dormir e coloca em suspensão a obra literária do consagrado escritor. Além deste trabalho, serão apresentados quatro telas  e cinco desenhos recentes.

Com uma cruz, signo recorrente na obra de Karin, rebatida no chão, com um colchão e uma mesa no centro, além de luz e projeção, a artista revisita, 50 anos depois, a estada de Albert Camus na capital gaúcha. “Ela mistura a existência real do escritor com o sentido existencial de sua obra evocando o céu cúmplice do ato de Meursault (O Estrangeiro) ou ainda o da infância do artista na distante Argélia”, escreve Paulo Reis, brasileiro radicado em Portugal, professor de História da Arte da Escola Superior de Educação do Instituto Politécnico do Porto, em Portugal. A cruz no trabalho de Lambrecht, como aponta o crítico Agnaldo Farias, além de signo da cristandade, é o gesto que fazemos da testa para o tronco, de um ombro para o outro, como a demarcação de um território, a afirmação de um lugar onde se está.

Karin Lambrecht é egressa da geração 80, quando participou da famosa Como vai você, Geração 80?, realizada no Parque Lage, Rio de Janeiro, em 1984. Desde então, realiza individuais e participa de coletivas, como Bienal Brasil Século XX, Fundação Bienal de São Paulo (1994), e Bienais Internacionais de São Paulo (1985 e 1987). Entre as mostras mais recentes destacam-se: em 2005, Lágrimas, Mosteiro de Alcobaça, Portugal, Dor, Forma Beleza, Estação Pinacoteca, São Paulo e 5ª Bienal do Mercosul – VETOR: A Persistência da Pintura - Armazéns do Cais do Porto, Porto Alegre; em 2006, Manobras Radicais, Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo; em 2007, Mulheres Artistas - olhares contemporâneos, Museu de Arte Contemporânea, Universidade de São Paulo, Ibirapuera, SP, Anos 70 - Arte como Questão e 80/ 90 Modernos Pós-Modernos etc, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo.

25/06/2008, São Paulo - Marcelo Silveira

Marcelo Silveira (Gravatá, PE,1962) apresenta a série Arquitetura de Interior composta de 12 peças em madeira e vidro e 12 livros.

Com estes trabalhos inéditos ele sublinha mais uma vez o ambíguo significado dos objetos. O artista questiona a intenção daquelas peças colocadas em cima de mesas, ao lado de sofás, ou mesmo nas estantes, apontando como a matéria pode conter também a expressão do vazio.

Esta série é composta de peças que não foram feitas para serem  manipuladas. As obras em  madeira encapsuladas em vidro – que confere ainda maior profilaxia estética aos objetos –    foram denominadas ironicamente de Chocolate, Cuscuz, Rolha etc. O mesmo se dá com os livros, feitos com capa de couro e folhas de papel de presente que, parafusados, não podem ser abertos, existem para ser apreciados como pintura. Marcelo Silveira mais uma vez inverte a ordem das “coisas” para apontar o pensamento que atravessa a sua produção: ausência e presença. Por que para as coisas existirem elas precisam estar?, pergunta Marcelo.

“A maneira como articula matéria-prima e procedimento, representação e achado, imagem e  objeto, narrativa e forma, têm sido a principal marca da obra de Silveira. Assim, desde trabalhos do início desta década, duplicar, seriar e repetir são procedimentos para o artista avançar na sua poética de, ao mesmo tempo, aproximar-se do mundo e negá-lo”, escreve o crítico Rodrigo Moura.

25/06/2008, São Paulo - La Fin Des Terres

Apresentação da Companhia Philippe Genty de Circo-teatro, com a proposta de um universo onde as imagens absurdas, irrisórias e cruéis se encaixam de forma associativa, sem lógica narrativa, como num sonho.

25/06/2008, São Paulo – Aos Nossos Olhos

A Galeria Leme apresenta “Aos Nossos Olhos”, primeira exposição individual de Nina Pandolfo no Brasil.

A artista, que começou a grafitar nas ruas de São Paulo em 1992, é uma das pioneiras da “street art” no país e faz parte do grupo que levou o grafite para museus e galerias de arte.

Os principais temas de seu trabalho são a infância e a natureza. Nina baseia-se na relação entre o olhar inocente das crianças e o olhar adulto para retratar meninas com cara de levadas e imensos olhos que expressam sentimentos secretos espelhados pela alma. A artista também reconhece a beleza em todos os animais, dando destaque aos insetos em seus murais e pinturas.

“Aos Nossos Olhos”, já começa nas ruas próximas à galeria. Nina cria grafites que cobrem muros e entram pela galeria, onde apresenta quatro esculturas e sete telas em grande formato.

As esculturas, feitas em resina, látex vulcanizado e tecido, representam meninas brincando e pintando em momento lúdico, como se os problemas fossem meras preocupações momentâneas, onde o impossível não existe e sonhos tornam-se realidade.

As telas, também feitas com técnica mista, recebem aplicações de CRYSTALLIZED™ - Swarovski Elements e peças de crochê, e retratam a imaginação destas crianças misturadas ao olhar adulto em um confronto entre pureza e malícia.

Em seu trabalho, Nina Pandolfo explora o tema universal da relação entre identidade interna e externa. O objetivo de seu trabalho é mostrar que podemos ver a vida através de um ângulo mais simples, com mais esperança, amor e sinceridade, e que as mesmas imagens podem ter diversos significados.

25/06/2008, Rio Grande do Sul - Transfer

Expressões artísticas ligadas à cultura urbana estão na mostra "Transfer", aberta ao público no Santander Cultural, em Porto Alegre.

Com cerca de 300 trabalhos de mais de 100 artistas brasileiros e estrangeiros, a exposição reúne pinturas, vídeos, desenhos, fotografias e até uma "planície skatável" projetada especialmente para o evento.

Entre os artistas de fora do Brasil que participam da mostra está o coletivo surgido nos Estados Unidos BeautifulLosers. São apresentados na mostra trabalhos de 27 artistas envolvidos com o grupo, entre eles os cineastas Harmony Korine ("Gummo") e Larry Clark ("Kids" e "Ken Park"), o fotógrafo Terry Richardson e Shepard Fairey, artista norte-americano que chamou a atenção ao colar extensivamente nas ruas dos EUA lambe-lambes de seu personagem Obey Giant, inspirado no campeão de luta-livre francês Andre the Giant (1946 - 1993). BeautifulLosers tem uma ala dedicada ao seu trabalho, com curadoria do norte-americano Christian Strike.

A exposição conta com mais três seções, uma delas abordando artistas brasileiros contemporâneos que se destacaram por meio de ilustrações para fanzines, cartazes de shows, pranchas de skate e capas de discos. Denominada Mauditos, esta ala tem curadoria de Fábio Zimbres e Alexandre Cruz - também conhecido como Sesper -, e apresenta trabalhos dos desenhistas Jaca, Lourenço Mutarelli, Luís Fernando Schiavon, Marcatti, MZK e Speto.

Há ainda em "Transfer" as alas "Street Fine Art", dedicada a artistas de rua brasileiros - como Bruno 9Li, Herbert Baglione, Kboco, Nunca, Stephan Doitschnoff, Tinho, Titi Freak e Vitché -, e Intervencionistas, com registros em fotografia e vídeo em sua maioria de sessões de skate.

No espaço desta última ala está a chamada "planície skatável", projetada para o evento pelo arquiteto Pedro Mendes da Rocha, com consultoria do coletivo Noh.

A mostra "Transfer", concebida pelo galerista gaúcho Lucas Ribeiro, fica em cartaz até 28 de setembro no Santander Cultural e pode ser visitada, gratuitamente, de segunda à sexta-feira das 10h às 19h e aos sábados, domingos e feriados das 11h às 19h.

25/06/2008, São Paulo - Geraldo de Barros na Coleção SESC de Artes

Exposição de fotografias das séries Fotoformas e Sobras pertencentes ao acervo do SESCSP.

São mais de 120 imagens desse artista que marcou a história da Arte Brasileira, participando da fundação do movimento Construtivista em meados de 1950.

25/06/2008, Minas Gerais - Comemoração do Centenário de João Guimarães Rosa

Exposição e palestra em homenagem ao centenário de João Guimarães Rosa.

Em comemoração ao Centenário de João Guimarães Rosa, o Foyer do Grande Teatro recebe a exposição do busto em bronze, esculpido pelo artista plástico Edgar Duvivier, do escritor mineiro. A inauguração da escultura acontece no dia 25 de junho, às 20h, no Foyer. Em seguida, no Teatro João Ceschiatti, a Presidente da Academia Familiar de Letras João Guimarães Rosa e prima do escritor, Enny Guimarães de Paula, fala sobre a convivência com o autor de Grande Sertão: Veredas na palestra Joãozito, o escritor.

A obra fica em exposição até o dia 25 de julho.

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